8月27日，“穹頂與刻度”主題展覽于和美術館正式開展，并將持續至今年12月18日。此次展覽是藝術家倪有魚迄今為止最大規模個展，展出作品數量將近200件，涉及繪畫、裝置、雕塑、圖像拼貼、木刻、攝影、影像等多重媒介，全面展示倪有魚2008年至2022年的創作實踐。

“穹頂與刻度”媒體發布會現場。

　　8月26日，倪有魚展覽媒體發布會在和美術館舉行。發布會上，藝術家倪有魚和策展人朱朱共同向媒體介紹展覽籌備的整個過程，并解讀代表作品背后的含義。

　　倪有魚，是2014年CCAA 最佳年輕藝術家獎獲得者。從2005年起，倪有魚曾在上海開始當代藝術展覽的策劃和藝術個案的批評寫作。自2007年起，他開始成為獨立藝術家。而策劃人朱朱，是一位詩人、策展人、藝術評論家，曾獲安高詩歌獎、中國當代藝術獎評論獎、胡適詩歌獎。

　　據悉，兩人相識十多年，都是細節控，對整體結構性的要求都非常高，整個籌備花了大概1年的時間。“和美術館的空間是高品質的，我們和藝術家、館長都進行了非常詳細的，一輪一輪地討論，最終才落實到現場。”朱朱說道，展覽運用和美術館中的三層空間，對應著倪有魚的創作理念所隱含的“天、地、人”傳統三要素。

和美術館的穹頂。

　　可以看到 ，和美術館本身就有一個穹頂。在朱朱的理解看，“穹頂”有兩層含義，一個是形而上的圓，代表著對宇宙觀的想象；另一個寓示著人類文明達到的高度。藝術家則是以個體的創造性來一步步地趨近穹頂，并最終構成一種有限而始終盤旋而上的尺度，測量著上方喻示無限的空間和時間的穹頂。

在窗邊展覽的《走出畫室》。

《走出畫室》里的調色盤。

　　向末代致敬的《走出畫室》，看似是一個模型的創作，但其實并不來源于具體的某個藝術家，而是倪有魚杜撰出來的。在他的理解，“走出畫室”呈現的是印象派藝術家的工作方式，而莫奈、梵高用過的調色盤就像是狩獵回來的獵物。每一塊調色盤，倪有魚都會把它當作獨立的抽象主義作品，對照拍賣會中印象派畫家的調色盤圖案，進行創作。因此，通過調色盤的色調，觀展人也許會被帶入到《睡蓮》《日出·印象》《梵高的星空》等等場景中。

用“打格子”的方法畫出來的星云。

　　倪有魚收集了很多真實星空的圖像，在不借助任何投影設備的情況下，純粹靠古典的方法--“打格子”，大約需要100到300個小時，用粉筆在黑板上臨摹轉換圖像，才能變成星空。雖然經過了幾十遍的噴膠固定，星空繪畫被固定在黑板上，但是只要它裸露在空氣中，那么每一秒美術館里看不見的灰塵就會附著上來或者離開。就像真實的星空，我們看到的星空，可能是經過萬億光年的運動才到我們的視網膜上，但實際上這顆星或許已經不存在了。

　　倪有魚經常援引藝術史的觀念與圖像資源，作為自我塑造、衡量和擴展的方法。平日里，他喜歡搜集文物殘片、無名攝影師的照片或者跳蚤市場的舊物，這些現成品顯露了他對于人文歷史和博物學的濃厚興趣，經由他富于想象力的重構，這些時光深處的遺跡被賦予了新的光暈，引導著觀眾的重新觀看，而他整體的藝術形態在體現獨創性的同時，因此帶有“后制品”的特征。

　　面對時間這一根本的命題，倪有魚多年來運用了不同的視角、材料與形式進行表達。“時間”是貫穿他許多作品的軸心，也幾乎可以串聯他所有的系列。與此相印證，他的幾個作品系列有著漫長的創作周期，過程看似枯燥乏味，卻給予了他獨處、穿越圖層的物質化和形而上的冥想的機會。

　　倪有魚的眾多創作都顯示出與手工的親密關系，他甚至會迷戀制作過程所帶來的微小的誤差感，視之為作品的一部分或新的契機。“發于感性而止于理性”的他，使得作品時而顯得像推理小說，嚴謹、整飭而又耐人尋味。

　　“作為和美術館的粉絲，當收到邀請的時候，我的內心是非常澎湃的。我參觀過世界各地很多的美術館，參觀久了也很挑剔，但是我覺得和美術館在國內應該是首屈一指的專業。”倪有魚說道，很遺憾因為疫情，很多國際藝術愛好者沒辦法來到現場。“相信當和美術館重新回歸國際化的時候，它會給世界帶來一些驚喜。”

　　朱朱也表示，和美術館，“和”的意義遠不止于順德。每一次展覽，不僅是對順德、對珠三角，對中國的藝術生態有深刻的推廣，未來還會在國際的語境中發揮重要的作用。

編輯：金易紅